Todo mundo tem uma música capaz de transportar imediatamente para algum lugar. Para alguns, é uma canção que tocava no carro dos pais. Para outros, é aquela faixa gravada em uma fita, descoberta em um CD emprestado ou apresentada por um amigo.
Mas existe uma geração inteira que conheceu o rock enquanto tentava acertar uma sequência de botões coloridos, completar uma manobra impossível de skate ou fugir da polícia em alguma cidade virtual.
Antes das playlists infinitas, dos algoritmos e das recomendações automáticas, os videogames funcionavam como verdadeiras lojas de discos interativas. Jogos como Tony Hawk’s Pro Skater, GTA, Need for Speed, Guitar Hero e Rock Band não usavam música apenas como fundo. Suas trilhas ajudavam a construir a identidade da experiência.
Neste 13 de julho, data celebrada no Brasil como o Dia Mundial do Rock, vale lembrar que os games tiveram um papel fundamental na apresentação do gênero para diferentes gerações.
O videogame também era uma loja de discos
Durante muito tempo, descobrir música exigia algum esforço. Era preciso ouvir rádio, comprar revistas, trocar CDs, frequentar lojas ou receber a indicação daquele amigo que jurava conhecer uma banda que ninguém mais conhecia.
Os videogames mudaram essa dinâmica.
Em vez de simplesmente apresentar uma lista de músicas, eles criavam lembranças ao redor delas. Uma faixa ficava associada a uma determinada pista, corrida, personagem, missão ou momento marcante.
Você não apenas ouvia aquela música. Você vivia alguma coisa enquanto ela tocava.
Tony Hawk’s Pro Skater apresentou punk, hardcore, metal, hip-hop e rock alternativo a jogadores que talvez nunca procurassem esses estilos por conta própria. Need for Speed ajudou a associar guitarras pesadas à velocidade, aos carros modificados e às corridas noturnas.
Já as rádios de GTA funcionavam como uma enorme curadoria musical, misturando clássicos, novidades, artistas famosos e faixas que muita gente jamais descobriria sozinha.
Era um tipo de descoberta mais caótico e, justamente por isso, mais marcante. O jogo não perguntava quais bandas você já gostava. Ele simplesmente colocava a música para tocar e dizia: agora se vira com esse riff.
Guitar Hero transformou a sala em palco
Nenhum jogo levou essa relação entre rock e videogames tão longe quanto Guitar Hero.
A guitarra de plástico parecia uma ideia absurda até alguém colocá-la nas mãos. Poucos minutos depois, o jogador já estava curvando o corpo, levantando o braço e se comportando como se estivesse diante de um estádio lotado, mesmo estando na sala de casa, com o sofá atrás e alguém reclamando do barulho.
Guitar Hero não exigia que o jogador soubesse tocar um instrumento de verdade. Essa era justamente a genialidade.
O jogo transformava ritmo, coordenação e memória em uma fantasia de estrela do rock acessível para qualquer pessoa.
Guitar Hero III: Legends of Rock, Guitar Hero: World Tour, Guitar Hero: Metallica e outros títulos colocaram músicas de diferentes décadas lado a lado. Bandas veteranas passaram a dividir espaço com artistas contemporâneos, criando uma ponte entre públicos que normalmente não se encontrariam.
De repente, adolescentes conheciam músicas lançadas muito antes de eles nascerem. Pais e filhos disputavam pontuações. Amigos organizavam bandas improvisadas com guitarra, baixo, bateria e microfone.
Durante alguns anos, a guitarra de plástico foi tão importante para uma festa quanto o próprio videogame.
Rock Band levou a brincadeira ainda mais longe
Se Guitar Hero colocou uma guitarra nas mãos dos jogadores, Rock Band entregou o palco inteiro.
Com guitarra, baixo, bateria e voz, o jogo transformava grupos de amigos em bandas completamente desorganizadas, exatamente como manda a tradição do rock.
Sempre havia alguém atrasando na bateria, outro berrando no microfone e um guitarrista que se considerava muito melhor do que realmente era.
A diferença é que isso não atrapalhava a experiência. Isso era a experiência.
Rock Band entendeu que a música não era apenas uma competição por pontuação. Era uma atividade social. O objetivo não era somente completar a faixa, mas criar aquele momento em que todos participavam da mesma coisa.
O jogo também demonstrou que músicas antigas poderiam continuar relevantes quando colocadas em um contexto novo. Em vez de ouvir passivamente, o jogador precisava prestar atenção na bateria, no baixo, na guitarra ou na voz.
A estrutura de cada faixa ficava mais evidente.
Era videogame, karaokê, festa e aula informal de música ao mesmo tempo.
Quando as guitarras de plástico desapareceram
Depois de anos de lançamentos, expansões, instrumentos e continuações, os grandes jogos musicais perderam espaço.
As guitarras foram parar no fundo dos armários, as baterias de plástico começaram a ocupar espaço demais e o gênero deixou de ser presença garantida nas grandes apresentações da indústria.
O rock também perdeu parte do domínio que já teve na cultura popular.
Isso não significa que o gênero morreu, frase repetida há décadas por gente que aparentemente nunca abriu um aplicativo de música. Significa apenas que ele deixou de ocupar sozinho o centro do palco.
Nos games, entretanto, as guitarras continuaram aparecendo.
DOOM transformou riffs pesados em combustível para o combate. Brütal Legend criou um universo inteiro baseado na estética do heavy metal. Metal: Hellsinger colocou os tiros no ritmo da música. No Straight Roads transformou gêneros musicais em personagens e batalhas.
E então apareceu Hi-Fi Rush.
Hi-Fi Rush provou que um jogo de rock não precisa de guitarra de plástico
Hi-Fi Rush não tentou simplesmente recriar Guitar Hero. Ele seguiu outro caminho.
No jogo, personagens, cenários, plataformas, golpes e inimigos se movimentam de acordo com a música. Os ataques acontecem naturalmente, mas acertar o ritmo aumenta a eficiência e transforma cada batalha em uma espécie de videoclipe interativo.
A trilha inclui artistas como Nine Inch Nails, The Prodigy e The Black Keys, acompanhando uma aventura colorida que mistura ação, humor e estética de animação.
Hi-Fi Rush demonstrou que o espírito dos jogos musicais ainda poderia existir sem copiar o passado.
Em vez de simular uma apresentação, o jogo colocou a música dentro da própria estrutura da jogabilidade.
Tudo tem ritmo. Tudo responde à batida. Tudo parece estar prestes a começar um solo.
Fortnite Festival pegou o bastão
A maior herança de Guitar Hero e Rock Band talvez esteja atualmente dentro de Fortnite.
Criado pela Harmonix, estúdio responsável pela série Rock Band, Fortnite Festival permite formar grupos com guitarra, baixo, bateria e voz.
O modo utiliza a clássica pista de notas e oferece apresentações em grupo, recuperando uma estrutura muito conhecida pelos fãs dos antigos jogos musicais.
Fortnite Festival também recebeu suporte para controles de guitarra, microfones e instrumentos compatíveis, aproximando ainda mais a experiência das antigas noites de Guitar Hero e Rock Band.
Isso coloca o Festival em uma posição curiosa.
Ele não é exatamente um novo Rock Band, porque funciona dentro de uma plataforma muito maior, cercado por temporadas, passes, itens cosméticos e colaborações.
Ao mesmo tempo, é provavelmente um dos principais responsáveis por apresentar esse tipo de jogo musical a uma geração que nunca segurou uma guitarra de plástico.
Talvez o verdadeiro sucessor de Guitar Hero não seja um jogo comprado em uma caixa, mas um palco permanente dentro de Fortnite.
Tony Hawk ainda entende a missão
A franquia Tony Hawk continua sendo um dos melhores exemplos de como uma trilha sonora pode definir a personalidade de um jogo.
Tony Hawk’s Pro Skater 3 + 4 manteve essa tradição ao combinar músicas clássicas dos títulos originais com artistas mais recentes.
A seleção mistura nomes ligados ao punk, ao metal, ao rock alternativo, ao hardcore e ao hip-hop, preservando a relação da série com a cultura do skate.
A escolha de misturar clássicos e novidades é importante.
Uma trilha puramente nostálgica poderia transformar o jogo em uma peça de museu. Uma seleção formada apenas por artistas atuais apagaria parte de sua identidade.
O equilíbrio permite que jogadores antigos reconheçam músicas importantes enquanto uma nova geração descobre bandas que talvez jamais aparecessem em suas recomendações automáticas.
O algoritmo tenta entregar mais daquilo que você já gosta. Uma boa trilha sonora tem coragem de entregar algo que você ainda nem sabia que gostava.
Stage Tour promete a volta das guitarras de plástico
Enquanto Fortnite Festival mantém vivo o formato, outro projeto pretende trazer a experiência completa de banda de volta.
Stage Tour é um novo jogo musical da RedOctane Games, nome diretamente ligado à história de Guitar Hero.
O jogo terá guitarra, bateria, microfone, teclado e suporte para controles tradicionais. A proposta inclui novos instrumentos físicos e uma estrutura pensada para receber conteúdos e eventos ao longo do tempo.
A ideia é evitar o antigo ciclo de lançar uma continuação todos os anos e, em vez disso, criar uma plataforma musical duradoura.
Entre as músicas já apresentadas estão faixas de Red Hot Chili Peppers, Ghost, Weezer, Extreme, Static-X, Avril Lavigne, Paramore, BABYMETAL e Electric Callboy.
A seleção mostra uma tentativa de misturar bandas consagradas, rock moderno e artistas em ascensão.
Ainda é cedo para saber se Stage Tour realmente conseguirá iniciar uma nova febre.
Instrumentos físicos custam caro, ocupam espaço e exigem uma logística muito maior do que simplesmente baixar um jogo.
Mas existe algo poderoso nessa proposta: devolver à sala de casa uma experiência coletiva que os jogos online, apesar de toda a evolução, nem sempre conseguem reproduzir.
O rock não morreu nos games — ele apenas mudou de fase
O rock talvez nunca volte a ocupar exatamente o mesmo espaço que teve nas rádios, na televisão ou nas lojas de discos.
E tudo bem.
A música não precisa sobreviver apenas de nostalgia. O futuro do gênero depende de continuar encontrando novos públicos, novas linguagens e novos espaços.
Os videogames podem fazer exatamente isso.
Uma criança pode conhecer uma banda em Fortnite Festival. Um adolescente pode descobrir Nine Inch Nails em Hi-Fi Rush. Um adulto pode reencontrar Motörhead em Tony Hawk. Uma família pode voltar a disputar uma guitarra de plástico quando Stage Tour chegar.
Guitar Hero não transformou milhões de pessoas em músicos profissionais.
Mas fez algo talvez tão importante quanto: despertou curiosidade.
Antes do Spotify entender nossos gostos, os games já colocavam uma música desconhecida para tocar e nos obrigavam a prestar atenção.
E, muitas vezes, bastava um riff para mudar tudo.
Sete jogos para celebrar o Dia Mundial do Rock
Guitar Hero III: Legends of Rock
O grande símbolo da era das guitarras de plástico, com uma seleção musical que atravessa diferentes décadas do rock.
Rock Band 2
Uma das experiências musicais mais completas para jogar com amigos, reunindo guitarra, baixo, bateria e voz.
Tony Hawk’s Pro Skater 3 + 4
Skate, contracultura e uma trilha que mistura clássicos e artistas contemporâneos.
Hi-Fi Rush
Combate, movimentação e cenários sincronizados com a música em uma das abordagens mais criativas do gênero.
Metal: Hellsinger
Um jogo de tiro em que atacar seguindo o ritmo torna a música mais intensa e o combate mais poderoso.
DOOM Eternal
Não é um jogo musical, mas poucos títulos modernos utilizam guitarras pesadas com tanta força e personalidade.
Fortnite Festival
A principal porta de entrada atual para quem deseja experimentar a estrutura clássica de Guitar Hero e Rock Band.